文献综述
古代朴素唯物主义认为，美是物体本来的美，它通过人的感官被感受到，即一种形式美艺术作品的表现力往往被蕴含在形式美中。形式美是艺术作品外在的艺术语言，它用色彩、线条、光线等元素构筑出作品外在的框架。艺术摄影往往区别于纪实摄影、新闻摄影，被视为一种“纯艺术”的表现形式。艺术摄影并不只是摄影者的思维活动，与绘画、雕塑等其他的艺术形式一样，它也需要创作者将自己的想象力和对艺术的创新想法寄托于外在的形式，通过画面的空间秩序表现出来。在创作层面上，摄影创作是内容与形式的统一;在作品层面上， 创作者经过精心安排的空间秩序和变化丰富的影调层次，可以使作品迅速吸引观者的注意，激发观众品味作品的欲望。法国雕塑家罗丹说:“没有一件艺术作品，单靠线条或色调的匀称，仅仅为了视觉满足的作品，能够打动人的。”
照片里包含的是摄影师自身的想法、心境和回忆，因此照片是一个私密的、个人的情感体现。但是从20世纪70年代开始，摄影师把照片的“内在”对世人敞开大门，摒弃小尺幅而印制巨幅照片，邀请观众走进被摄空间以获得“视觉在场”的感受，观者可以清晰地观察照片中的每一处细节。摄影艺术作为艺术领域的新生代，具有视觉艺术的独特魅力。摄影是光的艺术，正是因为光的作用才使世界呈现出五彩斑斓的色彩与勃勃生机。光线在摄影中起着至关重要的作用，犹如画家手中的笔，通过合理运用光线，在摄影图像中勾勒出思想的篇章。光影的运用首先体现在作品的拍摄过程，而后期则可通过光影合理化调整，渲染情绪来表达作品的思想。大自然光影有强、弱之分，由此对色彩的明、暗层次与色调的冷、暖色关系产生影响。
如何理解美，杨佳馥在《摄影艺术的美学价值浅析》[1]中这样描述:“美的感受是来自能够唤醒人们的爱或其他感情的一个或更多性质共同作用的结果，这是人的本能和美的活动相结合的产物，证明了审美品质的多样性。而恰恰是因为审美不唯一、不绝对的特点，才对摄影师提出了要运用多种感官、多个角度去认识、感受生活的高层次要求，进而通过照片来表达内在的情感。”
对于摄影形式美的定义，孙瑞潇等人在《艺术摄影的美学元素》[2]中是这样解释的:“形式美是艺术作品外在的艺术语言，它用色彩、线条、光线等元素构筑出作品外在的框架。”并进一步解释道“形式美的法则是人们在历代的艺术实践中不但积累形成的，它不是一成不变的，而具有时代性。”摄影美因人而异，是摄影师主观产物。
罗星在《摄影后期色调的重要性和影响》[3]中这样解释色调的含义:“色调的形式，即通过摄影后期创作是画面中色彩元素重新进行的组织和安排。摄影后期色调的形式美感主要是色彩和谐与对比性及光线的线条感，色彩重组后形成的画面节奏感与韵律感是形式美关节所在。
对于色调与摄影的关系吴强在《冷暖色调处理在摄影后期中的分析应用》[4]中这样解释:“在任何一副摄影作品中，冷暖色调必定是共存共生的。色调在画面中有全局与局部之分。全局的概念是针对整个作品的色彩总体倾向。如金色阳光普照下的暖色画面，轻纱薄雾萦绕中的中性景色，蓝色月亮笼罩下冷暖倾向的总体印象。的冷色场景，都会给人留下对作品色彩”
作品不仅体现了摄影师的主观审美而且传达了摄影师的情绪。龙梅在《摄影艺术中的情绪表达》[5]中认为:“每幅真正的摄影作品都在表达一种情绪这种情绪是摄者与被摄者体 情绪高度和谐统一的完美体现。“并且表达情绪需要“摄者自身要具有较高的专业技巧 还要有人性、 哲学、美学、勇气诸多方面的综合素质。”所以作品画面效果与情绪的准确传达高度和谐统一并不是易事。
再现与表现，是摄影创作的一个永恒话题。王震与朝克图在《当代摄影中的情绪表达与画面控制》[6]中提到:“从美学的角度来看，抽象的图形与色彩往往能给人带来愉悦感。在组织画面的明暗分布时如果能提前考虑到这一点是大有裨益的。每一处需要保留的影调都出于互不干扰的空间中，通过这种编排在整体上形成一种抽象图形。”画面的亮调按照一定的规则排布，形成一种类似螺旋的结构，观众在观看画面时就更容易捕捉到信息并获得视觉愉悦。
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